关于“直接摄影”

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【蝴蝶效应】摄影先锋论坛



主持人:

各位晚上好,今天加入我们论坛的是中国摄影出版社副社长赵刚老师。相信大家已经期待很久了。今天论坛将以小讲座的形式,让赵刚老师去阐述众多摄影流派里的直接摄影。赵刚老师,晚上好!

赵刚:

大家晚上好,【蝴蝶效应】请我来讲讲直接摄影。这个题目似乎不太先锋,有点古老,快100年前的事了,本质上属于摄影史论的范畴,可能和以前这个群里的方式不太一样。我个人觉得摄影史论很重要,我们现在的创新和探索都是站在巨人的肩膀上的。在正式开始谈直接摄影之前,我想说几句题外话,讲一讲摄影史和摄影理论的重要性。


作为摄影师,我觉得我们没有必要专精史论,单纯研究史论,为史论而史论。但是,我觉得对于一个摄影师而言,史论非常重要:第一,史论可以帮助我们建立个人的评价体系,有了这样一个摄影史论的坐标系,在平时的实践中,在纷繁复杂的摄影现象面前就不会迷惘、慌乱。第二,史论可以帮助摄影师建立个人的艺术思想体系。亨利·卡蒂埃-布列松、杉本博司这些大师都有自己清晰的艺术思想体系。


这几年在中国,直接摄影倍受关注,特别是去年有一些重要的展览。下面言归正传,我想谈一谈我对直接摄影的理解,重点阐述直接摄影的三个方面:它是什么?它的缘起和传承。它的发展又对当下摄影有些什么影响?



纳达尔拍摄的乔治·桑,1864


直接摄影在国外是一个非常明确清晰的概念,英文StraightPhotography,是美国摄影家保罗·斯特兰德(Paul Strand)在1920年左右提出的思想。



保罗·斯特兰德是一名非常帅气的摄影家。这张照片拍摄于1919年、他29岁的时候,由美国著名摄影家阿尔弗雷德?斯蒂格利茨拍摄的。据说原作采用了古典的铂金印相工艺。

保罗·斯特兰德在不同时期对直接摄影有过不同的阐述。比较著名的说法是这样的:摄影者必须学会并且保持对眼前事物真诚的敬意,并借助作品中无限宽广的超出人类双手技能极限的影调将敬意表现出来。实现它并不需要摆弄拍照与冲洗的技巧,而是用直接摄影的方式完成它。这段话仔细理解起来含义丰富。简单地说,他认为摄影作品的价值来自于用直接的摄影方法来完成。也就是说,依赖摄影自身源自于机器和科学的精细刻画能力,来表达摄影者对世界真诚的敬意。这里有两个核心,一是机器、摄影术本身的刻画能力,另外一个核心是摄影师对世界真诚的敬意。他的一生以这段话作为自己摄影的基本核心理念来实践。直接摄影也是继画意摄影之后的第二个主流美学摄影思潮。

这里我想稍微扩展一下,把直接摄影的发生、发展放在整个二十世纪对摄影本体探索的大背景之下,来看脉络传承,同时我会向大家介绍一些相关的摄影家,希望这样会对大家理解直接摄影有一些帮助。

首先,直接摄影是二十世纪初期对摄影基本特性进行探索的一个产物。我们现在回顾摄影美学探索历史,一般认为分为4个阶段。第一个是摄影诞生初期,即萌芽时期;第二个时期是从1850年代以后到第一次世界大战前后,是画意摄影时期,也就是第一个美学思潮时期;第三个时期是二十世纪二三十年代到50年代初是摄影本体探索期,也叫现代摄影时期;第四个阶段是五六十年代之后(法国摄影史学界认为是七十年代末开始)的后现代摄影时期。

在摄影术诞生之初的几年,摄影美学思想处于一种萌芽状态,尚未形成思想和流派,摄影术发明者之一英国的塔尔伯特(Henry Fox Talbot)、早期积极实践者法国的纳达尔(Naldar)等人,从摄影术诞生的原点出发,开始进行各种各样的摄影尝试和理论思考。经过一段时间的发展,特别是摄影技术和器材的快速发展,摄影疆域迅速扩大,对摄影美学探索到了非常迫切的阶段。一般认为,1850年后,湿版摄影出现,感光材料、照相机械精密加工技术有了相当的发展后,开始了真正的摄影美学探索期。这个时期到第一次世界大战结束前后,形成了以画意摄影为主流的艺术思潮。

画意摄影在摄影史上是一个非常重要的阶段,它尝试把摄影变成一种艺术,努力和绘画、雕塑以及其他的艺术门类平起平坐,做了摄影技术、基本审美的探索,形成了以画面美为基础的摄影门类,比如沙龙摄影。

综合来看,画意摄影作为主要摄影思潮的时候,整个摄影界反对照相机和镜头直接形成的非常清晰的、具有机械性的审美,以适度模糊为美。喜欢使用柔焦镜头、长焦镜头拍摄,后期采用各种方法对底片进行处理,以及各种影像工艺和纸张的运用,最终达到类绘画” 的艺术境界。总之就是一句话,不喜欢机械审美,喜欢柔和,追求近似绘画效果。画意摄影题材上以风景、人体等为主,一般不触碰都市和工业题材。

但是画意摄影到了二十世纪初显得固步自封,有点程式化,与那个时代矛盾多样的社会现实非常脱节。第一次世界大战血肉横飞,对欧洲的艺术审美产生了很大影响。机枪、坦克、飞机等强横的战争机器,让大众亲身感受到有异于传统骑兵、火枪和冷兵器的恐怖力量,对一战之后的欧美社会生活产生了持续的影响,很多艺术家对机械美学、战争美学重新开始审视反思。渐渐地,大家对机械摄影美学开始接受。二十世纪二十年代以后,随着对机械审美的接受,摄影直接源自科技的精细刻画能力不再被认为是审美的障碍,而是一种全新艺术的力量源泉。

从二十世纪二三十年代开始到五十年代初的阶段,可以认为是摄影本体的探索时期,对摄影作为一种艺术媒介的个性进行探讨,开始研究摄影有别于其他艺术的区别是什么?独特的个性是什么?照相机+镜头+感光乳剂直接产生的审美是什么?借此使摄影与其他艺术媒介区分开来,并展示自身的审美价值。

最后大家归纳出摄影的两大基础特性:一是原真的拷贝(记录性),对记录性的研究和探索最后诞生了以客观写实为基础的美学;二是对时间的切割(时间性),时间性的探索出现了以卡蒂埃-布列松决定性瞬间为代表的抓拍美学。它们构成了现代摄影的两大美学思想基础。

时间有限,这里我们不再拓展,只做一个简要的回顾。我在《中国摄影家》杂志的摄影史论专栏里分阶段进行了阐述,第四期是决定性瞬间理论为代表的抓拍美学。有兴趣的可以再交流。

下面我们来看看直接摄影的脉络——怎样传承,怎么发生,怎么影响的。直接摄影在美国有一个非常清晰的传承脉络,同时期在欧洲,比较类似的有德国的新客观主义

我们来看一下直接摄影的脉络。直接摄影最早由保罗·斯特兰德提出来,他受美国摄影教父阿尔弗雷德·斯蒂格利茨(Alfred Stieglitz)的影响,并将斯蒂格利茨的探索继续发展下去,提出了直接摄影的美学思想,后来影响了同一时代及晚一辈的很多摄影大师。比较著名的是1932年成立的“f/64小组。这样,基于客观记录的摄影美学思想到达了一个高峰。

斯蒂格利茨是一位德国犹太人,早年全家移民到美国,年轻的时候他又回到德国求学工作、接触摄影,直到26岁回到美国纽约。此后他对美国的摄影和现代艺术产生了巨大而深刻的影响。


斯蒂格利茨,安塞尔·亚当斯摄,1935


这是亚当斯用康泰克斯”135照相机在美国普雷斯画廊拍摄的,是斯蒂格利茨少有的微笑的照片。

斯蒂格利茨早期是自然主义摄影家彼得·亨利·爱默生(Peter Henry Emerson)的追随者。后来与画意摄影分道扬镳,成为美国摄影中一位承前启后的里程碑式的人物。

为什么我们会把斯蒂格利茨称作美国摄影教父呢?早期他在纽约创立了摄影分离派”(Photo Secession)。这个团体极大地推动了摄影在艺术地位上的提升,追求把摄影当作独立的艺术表现媒介,而不是附属于绘画的媒介。他当时在摄影分离派宣言中写道:我们摄影分离派的目的是什么?就是要将松散的美国人团结起来,通过努力使人们承认画意摄影不是艺术的侍女、而是独特媒介的美国人。意思是要把摄影作为表达个人的一种独特的表现媒介。

斯蒂格利茨是一位伟大的艺术家和活动家:1902年,在纽约创立了摄影分离派” 这个摄影团体;1903年自己出钱创办了20世纪初全世界最为高水准的摄影期刊《Camera Work》;1905年又与好友爱德华·斯泰肯(Edward Steichen)一起,创办了位于纽约曼哈顿第五大道291号的摄影分离派小画廊(又称“291画廊)。当时,他将欧洲的前卫绘画和雕塑,如毕加索和塞尚等人的作品介绍到美国,与摄影作品一起在画廊里展出。这种跨界” 进行艺术交流的态度清楚地表明了斯蒂格利茨的理念——艺术家的思想和风格远比艺术的具体载体重要。这种艺术态度深刻地影响到美国早期的摄影界。我们可以看到,在美国很早就出现了对载体的忽视,而对艺术家的思想和风格更为重视的艺术态度。在摄影界,这样的态度深刻地影响了美国后来的摄影风格,形成了对美国后来对很多摄影方式的包容。




1903年到1917年间,斯蒂格利茨创办了摄影季刊《摄影作品》(Camera Work),前后一共发行50期,最后两期是合刊。杂志中的摄影作品都是用原底片制作照相凹版,印在薄薄的日本产棉纸上,然后一张张手工粘贴在杂志上,极为类似照片原作。作为当时最重要的艺术杂志,《摄影作品》不仅介绍大量崭露头角的摄影家作品,而且刊登大量的现代艺术与当代批评,给年青摄影家提供了全面的艺术滋养。总的来讲,他对拍摄题材的拓展,特别是对都市题材的关注以及对摄影器材使用的偏好,以及对新人的大量提携,对美国摄影发展起到了积极的影响。

1892年回到美国后不久,斯蒂格利茨进行了大量有特点的创作。当时在大家用6x8英寸以上大幅的照相机,而他开始手持4x5英寸、甚至更小画幅的小型照相机,走向纽约街头拍摄城市景象。他用过柯达公司于1888年开始生产的小型业余照相机,当时严肃的摄影师几乎没有人使用。这是他在器材使用上的很大突破。


《终点站》


这张照片是斯蒂格利茨早期的代表作,反映了纽约街头场景,使用4x5英寸照相机拍摄。

下面我们来说说保罗·斯特兰德。他的全名应该叫拉萨尼尔·保罗·斯特兰德。他的父亲是纽约的一个搪瓷制品销售商,他家族的姓氏本来不叫斯特兰德,是叫斯坦斯基。他父亲在他5岁的时候更改了家族姓氏。

斯特兰德在上摄影培训班的时候,结识了斯蒂格利茨。虽然有段时间在艺术观点上有不同意见,但他们是一生的好朋友。1914年以前,斯特兰德也是用画意的形式表现摄影(我们现在在他的基金会可以看见他画意的早期作品),后来受到斯蒂格利茨的艺术探索,包括291画廊展出的欧洲新派绘画的影响,他开始转换思路,研究用抽象的方法进行拍摄。当时非常流行用这样的方式进行拍摄。他突破了当时常见的拍摄题材,开始将镜头对准纽约街头的人物、交通题材,把握住寻常事物形体、光影的节奏。斯蒂格利茨称赞他,这些作品不依赖后期冲洗画意的花招,很纯粹。

斯特兰德当时以照相机的客观性和对人类视觉的超越,超过我们眼睛的观察力,反对为获得类似绘画效果的后期加工为着眼点,做了很多尝试、探索。他有一句话是这样批评画意摄影这是令底片的纯粹性失色。后来,他写到:如果你使别人感觉到你和世界没有融为一体,那是因为你做了一件极端平庸而且毫无价值的事情——拍摄了一张绘画派照片。



1916年的秋天,他在纽约下东区偷拍边缘人群的肖像,这一张《盲妇》是流传下来的12张里最著名的一张。有人认为是摄影史上最具震撼的肖像。拍摄时,他给自己的相机装了一个偷拍镜进行面对面的拍摄。

191610月,斯蒂格利在“CameraWork”上刊登了保罗·斯特兰德的6张作品,并为他举办了个展。最后两期合刊发表了他11张作品,包括抽象系列,纽约街头匿名肖像系列。 

斯特兰德这种直接摄影的艺术观影响了许多人,包括沃克·埃文斯(Walker Evans)、安塞尔·亚当斯等一批著名的摄影家。埃文斯曾经表示,正是斯特兰德的作品《盲妇》改变了自己的发展趋向。在回忆第一次看到斯特兰德作品的时候,亚当斯也说道:你的照片让我知道,什么才是我该走下去的路。



大家可以看到这是最后合刊。右边就是保罗·斯特兰德1916年拍摄的抽象系列门廊的影子

斯特兰德这种直接摄影的艺术观影响了许多人,包括沃克·埃文斯(Walker Evans)、安塞尔·亚当斯等一批著名的摄影家。埃文斯曾经表示,正是斯特兰德的作品《盲妇》改变了自己的发展趋向。在回忆第一次看到斯特兰德作品的时候,亚当斯也说道:你的照片让我知道,什么才是我该走下去的路。

斯特兰德是比较内向的人,他在1937年和利奥·赫尔维兹(Leo Hurwitz)共同创立了边界影片社(Frontier Films),把工作的重心都放在了纪录片制作上,靠电影为生。在墨西哥城拍摄纪录片的时候,他差点和卡蒂埃-布列松相遇。后来和一些著名的作家合作出版图文书:就是到一个地方,他拍照片,作家配文字。1947年他又重归摄影直到逝世。

斯特兰德的政治倾向是左倾的,他后来支持了一个叫纽约摄影联盟的左倾摄影组织。这个联盟里摄影家都有左倾倾向,其中比较著名有:希德·格罗斯曼、刘易斯·海因,包括《世界摄影史》作者内奥米·罗森布拉姆的先生。摄影联盟曾办了一个相当于摄影培训的学校。参加培训只需要支付很低的费用,而且学校每晚都开放。斯特兰德在这个学校讲课。

1950年,美国出现了麦卡锡主义,对共产主义具有歇斯底里的恐慌,只要和共产党、左派挂钩,都会遭到很多迫害和诽谤。由于他的护照被美国政府取缔,他和他第三任妻子只好定居法国。1976年在法国逝世,去世时受到了很高的礼遇。1971年、2014年在美国费城艺术博物馆举办了两次斯特兰德的大型回顾展。在美国历史上,普遍认为二十世纪初有三位非常重要摄影家,其中一位就是保罗·斯特兰德。保罗·斯特兰德和直接摄影就阐述到这里。

斯特兰德是非常内敛的,但他深层次地影响了很多欧美摄影家。最典型的是1932年在美国的西海岸出现的摄影史上一个重要的摄影团体——“f/64小组,由爱德华·韦斯顿、安塞尔·亚当斯、伊莫金·坎宁安(Imogen Cunningham)、威拉德··戴克(Willard Van Dyke)、韦斯顿之子布雷特·韦斯顿(Brett Weston)及另外6位摄影师。严格来说,这个团体比较松散,但是因为这批摄影家有着较为一致的摄影理念和艺术追求,作品生动有力,从成立当年就在旧金山举办了第一届影展,此后的一系列展览赢得了广泛的好评,韦斯顿、亚当斯等人成就很大,成为摄影史上一个重要的流派。“f/64小组实际上把直接摄影的理论发挥到极致,精细刻画能力成为摄影的基础审美美学。

当时,摄影师为了获得最清晰影像和比较大的景深,会选用当时最小的光圈64。这些摄影家用f/64来命名,主要为了强调自己的艺术主张,抵制画意,追求影像的纯粹:用锐利的光学镜头,很大的景深,用光面相纸直接印相获得清晰有力、质感鲜明的影像。所以说,“f/64小组直接摄影直系的发展团体,抵达了直接摄影的巅峰,其中亚当斯就是其中的代表人物。


木板和蓟花安塞尔·亚当斯摄

这张照片在亚当斯《40幅作品的诞生》一书里有很详细的论述。我记得有两段话专门讲了小组成立的欣喜和对艺术主张的坚持。1932年,亚当斯扛着8x10照相机,拎着底片,看见并拍摄了这个画面。

现在再来简单回顾一下直接摄影发生发展的脉络。我们可以看见二十世纪初期,通过对画意摄影的批评或者是重新思考,形成对记录性、时间性两个基本特性的探索,形成基础摄影美学。其中比较重要的一支是直接摄影为代表的精细刻画摄影美学,形成了对清晰度、质感、包括层次为主的摄影基础审美。另外一方面,就是决定性瞬间理论,即对瞬间的推崇。早期摄影师没有高速快门,看不见瞬间形成的有价值的画面。后来形成卡蒂埃-布列松所说的通过直觉和构图达成的瞬间美学。这种美学不断扩展,一个极限就是威廉·克莱因、森山大道的那种粗糙粗暴影像的肯定。最后大家就认为这也是摄影与生俱来的一种基础审美,和之前的质感、层次并行不悖的另一种基础审美。直接摄影决定性瞬间这两样形成了新
一代摄影美学。这两种美学就是照相机+镜头+感光乳剂直接产生的摄影自身的美。直接摄影从时间上来讲比瞬间美学早很多,对摄影本质起了非常重要的的揭示作用,同时拓展了我们对摄影的理解。摄影家理解到摄影本身媒介的特性,为现代摄影美学奠定了基础。

最后谈两点自己的想法。


一、直接摄影有自己非常清晰的概念,对直接摄影妄加延展和诠释等都是不恰当的;


二、我希望大家能够把直接摄影放在历史潮流中看。它是在从画意摄影向现代摄影的探索中形成的,是更加直接地对摄影本质进行的总结揭示。如果大家有兴趣,可以研究下德国二十世纪二十年代左右崛起的新客观主义摄影。他们基本是同时期存在的,理念也类似,但是德国的更复杂一些。二战后,新客观主义创立了一个经典样式,从奥古斯·桑德逐渐发展成贝歇尔夫妇的理念,再到杜塞尔多夫学派。美国的新地形学派继承并发展了这一理念和摄影方式,并持续影响二十世纪末以后的摄影潮流走向,最后形成全面、理性、客观标本化,纪实成为当代摄影的重要手段。


主持人:

非常感谢赵刚老师今天给我们梳理了保罗斯特兰德提出的直接摄影这个重要流派的历史背景。这是先锋论坛开讲以来第一次的史论交流。辐射开来讲,史论可以帮助我们建立个人评价体系,也可以帮助艺术家建立个人风格体系。刚才赵刚老师分享了直接摄影的三部分,它是什么,它的起源和传承。我们再一次感谢赵刚老师,也期待以后更多的交流。


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